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标题: 摄影美学 [打印本页]

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:21
标题: 摄影美学
摄影美学

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:22
摄影学和艺术美学的重要分支。是建立在摄影学和美学的基础上，研究摄影艺术中的美和审美问题的一门新兴学科。摄影是现代科学技术的重要成果，1839年8月19日，法国人达尔盖公布他发明的“银版摄影术”，迄今已有一个半世纪了。早期的摄影还不是艺术，只是一种用科技成果将客观事物的影像固定并保存下来的实用性技术。随着科学技术的发展，小型、精密的照相机被制作出来，快速感光材料的出现，摄影才找到了自己独特的艺术语言，于20世纪30年代，终于发展成为一门独立的艺术。当摄影进入人们的生活，即与人类发生现实的审美关系，摄影美学也就应运而生了。在世界摄影史上，爱墨生被公认为摄影美学的创始人。摄影美学以研究如何按照美的规律从事摄影艺术创作以及创作主体、客体、本体、受体之间的关系和交互作用为基本任务，具体内容包括：摄影艺术的审美本质和审美特征；摄影艺术与现实生活的关系及其形象摄取过程；摄影艺术与绘画艺术的关系；摄影艺术的形式美法则；摄影艺术的发展历程和摄影艺术观念、流派、风格的兴替嬗变过程；摄影艺术的创作规律和应具有的美学品格；摄影艺术的审美价值和社会功能；鉴赏摄影艺术的心理机制、过程、特点、意义、方法等。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:23
摄影学三要素　

　摄影美学及拍摄对象布局、摄影用光是摄影学三要素。下面介绍一个案例。

　　相机右边的闪光灯将手机的亮度提高，光圈设定为f/11，相机左边镜头外放置一张纸。接下来要做的事情就简单了，只需把快门速度调低，使荧光灯的影像达到照片亮度的对比度。这样拍出来的照片就有了一定的高科技的味道，完全看不出来原来的样子，而且还用手机挡住了自己的倒影。幸好手机显示屏的色调也在整张照片的色调范围内，否则我就会放弃这种拍摄方法。
　　平时拍摄肖像照也经常使用这个技巧。进行现场光拍摄时，这些利弊并存的荧光灯可以营造酷酷的充满未来感的照片。当你从低角度拍摄有足够亮度的人像时，这个技巧可以把荧光灯灯光调到光线对比度范围内。
　　这并不难，不过需要注意两点：
　　从不同角度考虑普通拍摄素材的使用充分提高拍摄对象的亮度，使以前不常用的元素达到拍照的亮度对比度。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:24
美学与摄影　

　美学作为一个命题，由德国哲学家鲍姆嘉通在1750年发表的“伊斯特惕克”《Asthetik》一书起始。经过200多年来，许多美学家都从各自不同研究角度提出了不同的观点。但是，至今还无一个准确的定论。其中产生影响的有，18世纪德国著名的哲学家黑格尔的理性主义美学，在他的著作《美学》，给美学所下的定义，美学，“它的对象就是广大的美的领域，说得更精确一点，它的范围就是艺术，或则毋宁说，就是美的艺术。”其中还有“美学是研究美的科学”、“美学是艺术哲学”、“美学是审美关系学”等观点。虽然这些观点涉及了美学与人类审美现象的关系，但都忽略了突出人类审美现象实践的环节。

　　对美学含义的了解，是研究摄影美学的前提。然而，美学是什么？这直接牵扯美是什么的根本性美学问题。美学是什么　　美起源于人类的原始信念，是人类的自我幻觉、自我想象的一种原始体验。物质世界在不断的运动与变化，新物质产生，旧物质消亡，这是自然法则。从远古到现今，原始体验在人类活动历史演变中，通过人类活动不断的体验与赋予某些事物特征美的概念，但这种赋予也不是对所有的事物都赋予，而是赋予那些与人性、道德、乃至人的本体等攸关的事物。而人类又把这些被赋予的事物潜入了内心深处，保存、回忆、更新、提炼、复现、最后沉淀下来，形成了人类活动的对照原型，这种原型被称为“美的事物”并与人类同在。由此就可以推论出：美，是来自人类自身对事物的一种评判；这种评判的基准就是“原型”；美不是事物自身所固有的，而是在人类活动中对事物某些特征赋予了美的意义。因而，又可以推论出，美的基础是感知的，这种感知来自于人类活动中的审美实践。因此，可以说，美产生于人类活动的审美实践中。而美学就是研究人类活动审美实践的科学。
　　人类不断的追求美好事物，向往美好的未来，这就体现出,人类追求美的总体性。马克思主义总体观认为：“这是一种普照的光，一切其他色彩都隐没其中，它使它们的特点变了样。这是一种特殊的以太，它决定着它里面显露出来的一切存在的比重。”因此，总体“比重”是由个体组成。马克思指出：“任何人类历史的第一个前提无疑是有生命的个体存在。”总体的前提是个体，总体与个体的统一，就形成了人类审美实践的总体性构成。因此，可推论出：能直接显现总体性美的事物，就是美。能让人想起总体性美的事物，也是美。美的总体是由个体组成，进而又推论出：美是人类活动的总体性在个体体验中的感性显现。从美学的角度来看，个体是美学研究的一个具体方面；个体与个体之间的组合，构成了美学总体性体系。
　　摄影产生于人类对美好未来追求中，它自身不断的发挥着功能，传播着“美好事物”的信息。摄影（ Photography），它是以以摄影技术为手段，以独特的视觉瞬间影像，传递信息。以形象配合文字这两个方面都从特定的角度阐述了摄影属性的某一方面，然而却忽略了摄影的审美实践属性。而摄影的审美实践属性，恰恰是摄影不可缺少的重要属性，人在审视新闻图片时，自由和自觉的用审美意识去衡量图片的美的存在，以获得视觉和信息的满足。这里包含两个方面，一是真实影像的存在形式；二是与影像并存的信息内容。一幅好的摄影图片，不但能达到“一图胜千言”的效应，同时又具备了经久不衰的艺术魅力。因此，把摄影纳入美学视野中加以研究，这无疑是真正体现了人们对摄影的审美追求。
　　因此，摄影作为美学总体中的个体，也就形成了摄影美学的自身体系。而摄影美学体系本身相对摄影领域又具有总体性。摄影的美　　美存在于人类的一切活动之中，这是一个不争事实。然而，在摄影领域内对美的认识还存在着一定的偏颇，有人认为摄影有了美的存在和追求美就是唯美主义。特别是对于在表现方面，美的表现力、艺术表现力等，这些词语更是忌讳。甚至都回避这些用语；还有的认为：摄影就是对客观事实的映现，是纪实性的，有美的存在就不是新闻摄影了等等。总之美的概念受到了不公证的待遇。从上述这些观点来看，都是对摄影和美的实质属性理解的问题。
　　在摄影领域中，对美的存在何以怀疑？这实质上是一个长久的误会。这种误会产生的根源就是：能否认识美的问题被当作能否认识美的普遍性的问题。对在摄影中美的存在认识性的怀疑，实在是由于没有看到人类原始信念的实质，而误以为它直接地就在现实中，它就是现实本身，这种现实包含了摄影表现。大家清楚，美是人对一种事物的评判，评判基准是审美实践积累的原型。因此，美又是感知的，而感知则体现在每个人之中。由于人与人之间的感知差异。从而产生了对美的认识上的差异。表现在对摄影图片的评判上，如对一幅图片的评价：有的人认为具有审美价值；则有的人认为缺少审美价值。有的人认为是佳作；则有的人认为是一般。
　　结论：产生以上的原因，主要是来自人本身的社会实践所产生的文化意识。缺乏某种文化意识的人，就不可能的审美实践中感知美的深层意义和美的存在。甚至出现评判错乱性，背离了人类追求美的总体性。诚然，文化意识是产生人与人之间审美心里差异性的根源。
　　根据马克思主义的实践观，美学是研究人类审美实践的科学。这样就为摄影美学研究奠定了牢固的基础。在此基础上，展开摄影美学的研究。其最终目的，就是缩小摄影者的文化意识差异和审美心里的差异性，提高摄影的审美创造力，推动摄影审美实践的发展。
　　因此，摄影美学，是研究摄影在实践活动中的美学现象和美学规律的学科。
　　美学作为人类审美实践的科学，而摄影美学又是美学领域中的一门学科，包含了美学研究的规律。由于存在着摄影本身的特殊性与具体性，因而摄影在实践活动中的形成了自身的美学现象和美学规律。这就确定了摄影美学的研究对象与范围。
　　在摄影作品中，那震撼人们心灵的东西究竟是什么？那就是摄影者在摄影实践活动中，审美实践所把握的真实的、活生生的人类生命活动的影像。应当说，那就是摄影与审美实践密切相关的东西。在一定的意义上说，它就是摄影审美实践的结晶。因此，研究摄影审美实践活动，就必须研究审美要素的基本构成。既：主体、客体、主客体关系。具体地说，就是研究摄影者本身的审美营造能力及对摄影形式表现的美学原则。摄影美学研究的对象应有以下三个方面：
　　1、主体：摄影审美主体，指摄影者本人；
　　2、客体：客体包含两个方面，一是指，摄影所面对的拍摄对象，也是画面所要表现的主题；二是指，受众对象。
　　3、主客体关系：主要是指，摄影作者与画面主体对象和受众之间的关系，这种关系是双向交流的，相互影响的。
　　在摄影美学研究对象中，这三个要素的构成，是一个有机整体和动态系统。因此，运用美学的方法，来研究摄影的审美“三个要素”和谐与统一，对探索深层美的意义和挖掘摄影的审美创造力具有重要意义。

摄影美学研究的对象　　1、从摄影家和摄影作品的欣赏者角度来进行探讨，说明摄影美的最根本本质，以及摄影第一审美主体（专门从事摄影审美创造的摄影艺术人士）的审美意识、审美心里素质和审美标准。
　　2、探讨第一审美客体（可供摄影创作的具有审美特征的一切自然原型或社会生活原型以及那些以视觉形式存在的艺术形式，病与摄影家这个审美主体构成审美关系的审美因素的总和）、第二审美客体（以摄影作品方式存在的审美对象），说明摄影艺术的美的本质，以及摄影艺术美的各种存在形式和摄影艺术美的范畴
　　3、从摄影艺术美的创造方面，研究摄影物化的表现形式，说明摄影艺术的各类题材，以及摄影艺术创造的各种流派的活动规律。
　　美的存在（自然美和社会美）、美的感受（摄影家和欣赏着）、美的创造（摄影艺术美），就是摄影美学所要研究的范围

摄影艺术美的存在方式　　1、摄影艺术美是一种摄影语言的美。
　　摄影作品是摄影艺术美存在的方式和载体，就摄影作品而言，内容和形式是构成作品的两个主要元素。摄影艺术的语言是由摄影的器材以及被拍摄物体的形、线、光、色等造型元素和摄影家对摄影语言所特有的掌握、组织能力综合而形成的。各种再现于摄影作品中的美的信息，就是美的摄影艺术语言。
　　2、摄影艺术美最终是以物化的形态显现在审美主体面前。摄影是减法，要达到的目的是“照一个很美的人或物”而不是“很美的照一个人或物”。
　　我们可以从以下角度和方面来欣赏摄影作品的美：
　　摄影美存在的形式可以从内容（包含题材、主题）和形式（形线美、影调美、色彩美、对称、均衡、整齐一律）来体现，而摄影美的内容存在的形式又分为反映自然美的景观美和反映社会生活的艺术形象美两方面来体现。

摄影审美的内容　　1、反映自然美的景观美（包括对自然景观美的反映：对完全天然的没有经过人工雕凿痕迹的自然界中的壮观、奇观和幽美的反映；对人文景观美的反映：对自然美经过人工艺术加工后表现出人类文明程度的景观的反映）。
　　2、反映社会生活的艺术形象美（包括：摄影艺术形象的心灵美：艺术形象只要体现了人的心灵美，就会具有审美价值；摄影艺术形象的行为美：摄影艺术必须是借助原型原貌，再现出一个铭刻着摄影人审美个性印记的新形象，摄影人的审美行为实际上是靠“借影还魂”，直接把自己的审美愿望反映在摄影作品中，创作出新的作品；摄影艺术形象的伦理道德美：这是美的内容中相当重要的条件之一，不论摄影人持着什么心态去审美，只要审美态度与社会发展规律相违背，其作品的内容也不会是美的。摄影作品的艺术形象只有在反映了符合社会发展规律的伦理道德时，才会是美的内容）
　　在我们的摄影作品中可以直接表现“美”的事物，来达到欣赏美的境界与享受，也可以通过表现“丑”的瞬间，来唤起人们对美好事物的追求与向往，摒弃那些丑陋的形态或者事物，是从反面来隐喻美，是另外一种形式的表现美。
编辑本段摄影作品中形式美的表现途径　　1、形线美：客观存在的，依靠作者去发现、提炼、重新组合，获得对大自然形体的再现，成为作品视觉要素之一，与观者的心理相呼应引出观者的审美特征。
　　2、影调美：通过视觉刺激情绪的重要因素之一，进而结合具体的画面形象，直接影响审美主体的审美情感。
　　3、色彩美：色彩的审美表达十分明显，能向人们传达出一定的感情意味，传达着那些能牵动人们情感的各种信息。可以再人们的视觉中、感情中、意味中产生不同的审美效果。不同色彩在表达具体摄影作品时，人们会自觉地结合作品内容产生兴奋与沉静、冷与暖、开放与收缩、活泼与忧郁、华丽与朴素等意味。人们在审美时，会将摄影作品色彩与画面中具体艺术形态相结合，自觉地赋予各种色彩不同的含义。
　　4、对称：画面中布局合理、相互协调适应
　　5、均衡：摄影中的“一斤棉花和一斤铁”原理（一斤棉花和一斤铁的重量一样，但是体积就差别很大，在摄影作品布局中，如果一边是如同一斤棉花一样大体量的景物，另外一面就要有相当于一斤铁的景物相呼应，才能做到画面的均衡）
　　6、整齐一律：同类图形相同的排列或者不同图形错落排列，均要保证画面整体性的完整统一，不能破坏画面的均衡。摄影画面中形象大小，比例适中，满足视觉悦目的需求，保持形象之间的协调，于变化中求单纯，于变化中求愉悦，于秀美中求和缓。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:24
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作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:25
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作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:25

浅谈摄影艺术的美学特征

2011-8-28

作者：梁　辰

【摘　要】　摄影艺术源于生活而高于生活。摄影艺术不但拥有一切艺术共同的美学特征,而且还具有自己独特的美学特征,即纪实性、现场性、瞬间性、形象性、艺术性和技术性。

【关键词】　摄影;摄影艺术;美学特征

图像是人类最直接最简单的认知客观世界和彼此沟通的方式,自从摄影技术成为人类捕捉记录图像的工具以来,人们一直在不断地追求感光材料、摄影器材等物理机械方面的更新发展和摄影技术的进步,同时也在不断探索摄影对人类、对人类社会的巨大影响和深远意义。二十世纪中后期,摄影逐渐摆脱了较为滞后的摄影器材和工艺技术的局限束缚,相机的光学化、机械化在这个时期里得到完善和成熟,使摄影可以大批量地生产影像,逐步从单纯的捕捉记录图像发展到人们开始有意识的利用摄影技术、器材生产影像。这种意识的转变,标志着摄影不再是人们单纯的无意识地记录客观世界的工具,它跟绘画等其它艺术一样,是一种社会意识形态,是经济基础的上层建筑。作为社会意识形态的艺术,同其他形式的社会意识形态一样,是建立在一定社会经济基础之上的上层建筑,它的发生和发展,归根到底是被经济基础所决定的。这种决定作用,表现在艺术的发生和发展上,是经济基础最终决定了各个历史阶段的艺术的主要内容和形态。
摄影艺术是瞬间的艺术、视觉的艺术,摄影艺术是一门科学技术和艺术相结合的现代造型艺术,它是摄影者使用照相机作为创作工具,根据创作构思,运用摄影技术和技巧,按照摄影艺术的审美规律和特点,把人物或景物等拍摄下来,再经过后期的暗房或软件处理,塑造出可视的艺术形象,反映人类社会生活和自然现象,表达作者的情绪、情感、思想的一种视觉艺术样式,也是艺术家对社会生活进行提炼、加工、改造的生活原生态艺术化的再现过程。
作为一种艺术门类,摄影艺术能够独立于艺术之林,一定有它自己独特的东西,摄影艺术表现现实生活中的形象,具有直接、真实、具体、生动、鲜明的特征,使人从摄影作品中得到认识和感染,这是摄影艺术在现实生活中的社会功力,也是其它艺术形式所不能比拟替代的摄影艺术的特长和优势。作为视觉艺术的摄影艺术,同时也是一种审美评价活动,这种活动是审美主体与客体间关系及相互作用的双向交流。
美是事物良性特征的协调性表现,在美学意义上美的定义是:美是人们创造生活、改造世界的能动活动及其在现实中的实现或对象化。作为一个客观的对象,美是一个感性具体的存在,它一方面是一个合乎规律的存在,体现着自然和社会发展的规律,一方面又是人的能动创造的结果。所以美是包含或体现社会生活的本质、规律。能够引起人们特定情感反映的具体形象(包括社会形象、自然形象和艺术形象)。由此可见,就其本质而言,美并不是事物的某种与人无关的自然属性,也不是意识、精神的虚幻投影,而是事物的一种客观的社会价值或社会属性。
作为艺术,摄影也有着自己独特的美学特征,主要有以下几点:
一、纪实性
纪实性是摄影艺术独特的本质特性,是它区别于造型艺术其他门类而独立的基础。日常生活中我们接触的大量摄影作品,都是以其纪实性作为主要特征、主要功能存在的。对纪实性,人们有不同的理解。一种观点认为,纪实就是拍摄真人、真事、真场景。另一种观点认为,摄影的纪实性只是技术层面上的意义,要反映事物的本质,还必须进行艺术的创造。还有人提出纪实的广义性和狭义性,狭义性就是指“三真”的原则;广义性是指在创作中,只要选择的题材具有现实生活的真实性、典型性,作者就可以在创作过程中对素材进行加工、提高。
还有一种被大多数人赞同的观点是,纪实性作为摄影的本质属性是每一幅照片都具有的。从广义上讲,每一幅照片都可以叫纪实摄影。从狭义上讲,社会纪实摄影、新闻摄影、报道摄影应遵循纪录的真实性原则,按照生活的本来面貌去拍摄。
摄影艺术的纪实性这一特征,主要表现在两个方面:一方面,摄影艺术借助先进的科学技术手段,准确地把被摄对象记录再现出来,使得摄影作品成为真实、客观的记录历史与事实的物证。另外一方面,摄影艺术的创作对于拍摄现场,有着极为明显的依赖关系,摄影者必须直接面对被摄对象进行现场拍摄,如实地反映现实生活中客观存在的人物、正在发生的事件和人们周围的自然环境。无论如何拍摄,它最根本的性质是纪实性的,这种纪实性会使读者产生一种真实的身临其境的感觉。
二、现场性
天时、地利、人和等诸多方面的因素和摄影创作都有十分密切的关系。摄影创作对于拍摄现场,有着极为明显的依赖性。因此摄影艺术的创作构思,必须从现场环境、条件出发,并且受到现场环境、条件的制约。从某种意义上来说,摄影艺术创作构思的过程就是对现场特定的对象进行观察,比较,选择和提炼加工的过程。在摄影艺术的创作过程中,无论是题材的发掘,主题的酝酿,还是摄影艺术的造型手段的运用、处理以及对决定性瞬间的把握,都离不开对现场的细致观察。现实生活纷繁复杂,拍摄现场的情况瞬息万变,想要创作出成功的摄影作品,那么在摄影创作过程中,既要善于适应和充分利用现场条件,也要善于突破现场条件的局限和制约,化不利因素为有利。只有这样,才能在注意力处于高度集中状态的时候仍具有清晰的分析能力和判断能力,既不会因为现场情况的突变而不知所措,也不会因为一味地等待预想情况的出现而错失良机。
三、瞬间性
客观事物的发展无止无休,始终处在变化、运动之中,摄影艺术创作总是只能拍摄事物发展运动过程中的一个片断、一个细节、一个刹那。现实生活丰富多彩,瞬息万变,许多珍贵的瞬间是可遇而不可求的,机会稍纵即逝,所以创作的机遇和契机显得十分重要。一幅作品是否成功,在以抓取“决定性瞬间”为主的人像摄影、新闻摄影、纪实摄影等“偶成”作品的创作过程中,瞬间的发现,对瞬间的敏感性往往是主要的、起决定性作用的。在摄影创作的过程之中,经常会出现“突然发现”、“偶然拍到”的现象,这就需要摄影者在长期的艺术创作实践过程中,总结经验,锻炼自己敏锐的观察能力、丰富的想象力以及对突发情况、突发事件的把握能力,从而运用自己的审美观点、审美标准,对现实生活中的某一具有审美价值的客观存在做出审美的判断。这种“偶然”考验着摄影家的艺术功力和对生活的理解以及对美的判断能力,因此偶然中也体现着必然。
四、形象性
无论是何种种类的摄影创作,都是以形象性为主要审美特征的,都要表现出作品中被摄对象所具有的作者想要传达给读者的情绪、情感或思想等,都要营造出情景交融的意境。例如我国著名摄影家陈复礼拍摄的风光摄影作品《千里共婵娟》,作品取意于苏轼的名词《水调歌头·明月几时有》,以美丽的太湖为背景,采用对称式的构图形式,营造出“但愿人长久,千里共婵娟”的诗画般意境,从而增强了作品的表现力和艺术张力。作品成功的原因是作者对形象性准确的艺术把握和运用。由此可见,形象性对于摄影艺术的重要。

五、艺术性
摄影作为艺术,正如文学、音乐、绘画、雕塑等一样,有着自己独特的艺术性。它的艺术性当然是本体美学特征之一。摄影的艺术性前提,在于世界的艺术性,生活的艺术性。摄影作品不能凭空产生,必然会以一定的内容作为载体。这些载体可以是一切能显影的东西:大自然的鬼斧神工,人类的奇迹、智慧的结晶,芸芸众生的千姿百态……
不论何种艺术,都有自己特有的语言。摄影艺术是以光线、影调、线条和色调等构成自己的造型语言。摄影家正是借助这些语言来构筑摄影艺术的美。影调、线条、色彩和光线这些摄影艺术语言,其特殊的审美作用,首先表现于它们独自或共同赋予人们形式感、形式美感。摄影作品赋予我们的形式感,是十分丰富的,有空间感、立体感、质感、运动感、节奏感等等。我们从摄影艺术中,所获得的美感,是与这些形式感密切相关的。
六、技术性
摄影艺术是建立在现代科学技术成果之上的视觉造型艺术,自摄影诞生之日起,科技始终是摄影赖以发展壮大的基础要素,摄影的发展史,是技术和艺术并行发展的历史。现代科技是以照相机为主的摄影器材制造工艺和摄影技术技法不断前进的物质基础,自达盖尔的银版摄影术开始,从湿版到干版,从黑白到彩色,从银盐到数字……每一次技术上的革新都为摄影家的创作带来了便利和变革。一架小小的照相机,是几何光学、物理光学、机械技术、电子技术和数字技术等高科技的结晶,数字摄影时代的到来,更使摄影艺术的发展对于现代科技的依赖愈发强烈。随着摄影艺术和科学技术的进步与发展,摄影艺术已经具有惊人的表现力和拥有极其丰富的表现手段。摄影艺术的创作必须在摄影家所使用的器材和掌握的摄影技术、技巧的限制下进行。离开了摄影技术和技巧的艺术表现的可能性,任何绝妙的构思都是无法实现的。
摄影与其它艺术一样,是一种社会意识形态,是经济基础的上层建筑,是客观的社会生活在艺术家头脑中主观的能动作用反映的结果,是人们在社会实践中为满足审美需求的创造。摄影艺术源于生活而高于生活、典型于生活、艺术于生活。摄影艺术不但拥有一切艺术共同的美学特征,而且还具有自己独特的美学特征。艺术家正是运用摄影自身的独特的美学特征并结合自己主观的审美意识进行艺术创作,创作出符合审美规律,符合人们审美需求的艺术作品,给人以美感,给人以视觉的美的享受。

【参考文献】
[1]　王宏建主编.艺术概论.文化艺术出版社,2000.
[2]　王朝文主编.美学概论.人民出版社,1981.
[3]　林路.向摄影大师学摄影.上海画报出版社,1998.
[4]　杨恩璞.摄影美学基础.辽宁美术出版社,1997.
[5]　摄影艺术与美学.辽宁美术出版社,1987.
[6]　美学与艺术实践.江苏人民出版社,1983.
[7]　钟仕伦.审美心理学引导.成都电讯工程学院出版社,1988.
[8]　美学原理.湖南人民出版社.1986.

摘自：《新西部》2009年第10期

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:27
http://blog.qq.com/qzone/175820473/1267776756.htm
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作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:27

摄影美学

2010年05月07日

在摄影美学研究的对象：
1、从摄影家和摄影作品的欣赏者角度来进行探讨，说明摄影美的最根本本质，以及摄影第一审美主体（专门从事摄影审美创造的摄影艺术人士）的审美意识、审美心里素质和审美标准。
2、探讨第一审美客体（可供摄影创作的具有审美特征的一切自然原型或社会生活原型以及那些以视觉形式存在的艺术形式，病与摄影家这个审美主体构成审美关系的审美因素的总和）、第二审美客体（以摄影作品方式存在的审美对象），说明摄影艺术的美的本质，以及摄影艺术美的各种存在形式和摄影艺术美的范畴
3、从摄影艺术美的创造方面，研究摄影物化的表现形式，说明摄影艺术的各类题材，以及摄影艺术创造的各种流派的活动规律。
美的存在（自然美和社会美）、美的感受（摄影家和欣赏着）、美的创造（摄影艺术美），就是摄影美学所要研究的范围
摄影艺术美的存在方式：
1、摄影艺术美是一种摄影语言的美。
摄影作品是摄影艺术美存在的方式和载体，就摄影作品而言，内容和形式是构成作品的两个主要元素。摄影艺术的语言是由摄影的器材以及被拍摄物体的形、线、光、色等造型元素和摄影家对摄影语言所特有的掌握、组织能力综合而形成的。各种再现于摄影作品中的美的信息，就是美的摄影艺术语言。
2、摄影艺术美最终是以物化的形态显现在审美主体面前。摄影是减法，要达到的目的是“照一个很美的人或物”而不是“很美的照一个人或物”。
我们可以从以下角度和方面来欣赏摄影作品的美：
摄影美存在的形式可以从内容（包含题材、主题）和形式（形线美、影调美、色彩美、对称、均衡、整齐一律）来体现，而摄影美的内容存在的形式又分为反映自然美的景观美和反映社会生活的艺术形象美两方面来体现。
摄影审美的内容：
1、反映自然美的景观美（包括对自然景观美的反映：对完全天然的没有经过人工雕凿痕迹的自然界中的壮观、奇观和幽美的反映；对人文景观美的反映：对自然美经过人工艺术加工后表现出人类文明程度的景观的反映）。
2、反映社会生活的艺术形象美（包括：摄影艺术形象的心灵美：艺术形象只要体现了人的心灵美，就会具有审美价值；摄影艺术形象的行为美：摄影艺术必须是借助原型原貌，再现出一个铭刻着摄影人审美个性印记的新形象，摄影人的审美行为实际上是靠“借影还魂”，直接把自己的审美愿望反映在摄影作品中，创作出新的作品；摄影艺术形象的伦理道德美：这是美的内容中相当重要的条件之一，不论摄影人持着什么心态去审美，只要审美态度与社会发展规律相违背，其作品的内容也不会是美的。摄影作品的艺术形象只有在反映了符合社会发展规律的伦理道德时，才会是美的内容）
在我们的摄影作品中可以直接表现“美”的事物，来达到欣赏美的境界与享受，也可以通过表现“丑”的瞬间，来唤起人们对美好事物的追求与向往，摒弃那些丑陋的形态或者事物，是从反面来隐喻美，是另外一种形式的表现美。
摄影作品中形式美的表现途径：
1、形线美：客观存在的，依靠作者去发现、提炼、重新组合，获得对大自然形体的再现，成为作品视觉要素之一，与观者的心理相呼应引出观者的审美特征。
2、影调美：通过视觉刺激情绪的重要因素之一，进而结合具体的画面形象，直接影响审美主体的审美情感。
3、色彩美：色彩的审美表达十分明显，能向人们传达出一定的感情意味，传达着那些能牵动人们情感的各种信息。可以再人们的视觉中、感情中、意味中产生不同的审美效果。不同色彩在表达具体摄影作品时，人们会自觉地结合作品内容产生兴奋与沉静、冷与暖、开放与收缩、活泼与忧郁、华丽与朴素等意味。人们在审美时，会将摄影作品色彩与画面中具体艺术形态相结合，自觉地赋予各种色彩不同的含义。
4、对称：画面中布局合理、相互协调适应
5、均衡：摄影中的“一斤棉花和一斤铁”原理（一斤棉花和一斤铁的重量一样，但是体积就差别很大，在摄影作品布局中，如果一边是如同一斤棉花一样大体量的景物，另外一面就要有相当于一斤铁的景物相呼应，才能做到画面的均衡）
6、整齐一律：同类图形相同的排列或者不同图形错落排列，均要保证画面整体性的完整统一，不能破坏画面的均衡。摄影画面中形象大小，比例适中，满足视觉悦目的需求，保持形象之间的协调，于变化中求单纯，于变化中求愉悦，于秀美中求和缓。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:28
美学角度下的摄影
有福网 / 2011-08-29
摄影所表现出来的美其实也是一种艺术的欣赏。五月麦苗鉴定上的晶莹露珠、十月玫瑰带着银色的霜花、蜻蜓点水、莲叶逢雨像“大珠小珠落玉盘”……只有摄影能妙化的表现出来，并成为艺术品。

一、感情
　　感情最富于形象化，而艺术的形象最能发挥感情的作用。美出自于感情。而个性又使美的方式、程度各异；性格使美的色彩，犹如鲜花借色彩表达各异的品种性格特征一样。由于感情存在，达到甘心根时，通过实践再成为感情理论。艺术家的感情越奔放、丰富、诚实、热烈越好。如果你不是一个天生十分诚实的人，你就不可能塑造出千万个深刻、真实的形象。

感情是抽象美，唯有这种美才能产生现实艺术。用心灵构思，用理性思维，用概括来表达具体形象。抓住现象最突出之点，准确其内部规律之精。持之以恒的满腔热情忠实于自己思想感情的火花，最终总会照亮美的前程。

　　字如其人，画更如其人。摄影家也不例外。书画家、摄影家如果自己没有一种气吞山河、震慑气魄，搞艺术的却不懂艺术，研究美的却不懂如何为美、思想感情不入艺术的境界，怎能创作出使人受感动的作品？你的作品不是被高人赞赏，就一定被庸人所喜爱。所谓“雅俗共赏”，而实际正像美与丑永远不能统一。所谓“统一”，而实际是提高才能逐步一致。我们的现实生活中总是很公平的，总会让你一头。

　　感情是一种心灵的知识，凡是高尚的、正义与纯洁的，对你总有一种巨大的推动力量。高峰虽无坦途，这种力量也会战胜一切，直至获得感情的成果。

二、开悟

　　内在的开悟要比外界的教更为重要，而且直观要比理论重要。开悟要靠思想反省，融会贯通。画家不懂诗，如何去创造意境？诗人不懂画，如何去描绘画意？演员不懂文学，如何表演莎翁？音乐家不懂交响乐，如何去演奏交响乐？舞蹈家不懂音乐，如何起步跳跃？这就是开悟的诀窍。

　　如何运用摄影的特点，来丰富创造摄影的内容和形式？不研究摄影美学的特征，是难以提高与深入的。而真正懂得开悟的道理和作用，在摄影创新中一定会大有用武之地。摄影术已发展到电子时代，许多传播摄影技术的书籍，还在大谈光圈，速度对感光的作用，基本摄影化学的法则，摄影须知的手册未免老生常谈普及，而提高却很少有人注意。有许多人怕费力气，怕难产，因为难产是痛苦的，但难产的婴儿往往都特别健壮。我们不能因为攀登无坦途，就只走平路，恐怕这也是需要开悟的吧！

三、探索

　　最高的美在于赋于瞬刻即失的东西以永远的意义，在探索中发明了摄影术。为了拯救自己的思想、形象、梦幻和天生最好的东西，人们即使以自己的生命为代价，也在所不惜。由此可见形式主义的意义。壮丽的诗句，美妙的文章——犹如罗马的铭文；他们永不为时光磨灭——然而，超越实际还不够，一块粗糙的花岗岩能够做到这一点，需要的是这块物资里包含有思想，需要的事射向远方的飞箭，给未来的人类带去活的灵魂的音讯，需要始终活着，始终是真实的“我”，始终保持着自己的本色。这便是伟大的雕塑家米开朗基罗和罗丹的探索！

　　人们永远需要最美、最新、最深刻的东西，这就给艺术家提出个永无止境的探索，创新的要求。如果诗人的作品满足不了公众的意识，他的成就只是一时的，于是“八大山人”吴昌硕、齐白石、林风眠、吴良的画特别受到人民的热爱。《中国摄影》开辟了“探索之页”虽然篇幅很小，他却引起了广泛浓厚的兴趣。

　　首先了解什么是探索之理、探索的含意，然后根据摄影美学的特征进行探索，在长期的摄影探索中，早已出现借鉴绘画的各种形式，如中国正式的摄影，在照片上采用书法题词，并用金石印章。浮雕照片、很像版画的色调分离，很像油画效果的菜摄照片，可以与印象派相媲美的颗粒效果的流派彩色摄影，比水粉画更精彩的彩色广告摄影，明确的高调、宁静的低调等等均属于探索获得的成果。随着摄影科学器材的不断创新，摄影化学的不断改进，给摄影领域的探索带来方便和广阔探索的途径。当然更重要的还是以摄影特殊美学特点为依据，以艺术家的思想感情观察世界，洞察生活的规律，捕捉生活的真谛，才能创造深刻而完美的形式。

探索大致分为三个阶段：

　　1. 思索：具备广泛科学、艺术知识以后，对摄影这门科学就有了发挥的余地。头脑里的思索胎育者创造，思索的时间越长，越成熟，越细腻，越科学，创新的诞生也就越快、越顺利。要懂得“业精于勤”、“业精于思”。思索是创新的序曲。

　　2. 摸索：探索是在摸索的基础之上成功的，也很可能由于失败而获得成功的。例如中途曝光，便是由于跑光失败而产生的独特效果。你如果不摸索，不把冲洗中途曝光的底片，也印一张照片看看，不动脑筋，不加以思索，没有好奇心，懒得动手去摸索，把中途曝光的底片丢进废纸篓里，那么中途曝光这一独特的形式到今天还不会有。

　　必须把现有的探索成果，如中途曝光、双重中途曝光、浮雕、版画色调分离、优化和印象派颗粒、主观摄影、多次曝光、各种重叠等等样样加以基本训练来摸索、来实践、研究、分析才能懂得照相机、按时技术、制作方法的妙处。
　　3. 探索：探索阶段是指不仅仅模仿和试验，从摸索的基础之上开始创新，这种新的范围很广，从四县、内容到形式以及所有可以使用的器材，加以巧妙的利用。借鉴绘画、音乐、文学、电影、电视、诗与戏剧来构思摄影，开辟摄影表现的艺术形式，丰富摄影创作的思想内容。按照已有的道路驱走是容易的，去开辟新路很难，没有勇敢的吃苦耐劳、没有广泛知识的积累、没有思索、摸索也就没有探索创新的精神。

四、美感

　　美是随着艺术境界的不断深入、更新而提高的。艺术家对于美的欣赏和识别应该像商人对货物的认识一样准确和给予正确的评价。

　　美也需要再凑的衬托下才能显得更美。人们都喜欢欣赏黄昏的晚霞，在光彩艳丽的背后隐藏着黑暗。艺术最强烈、最感人、最突出的是明与暗，动与静；生活中充满着好与坏，善与恶，虚与实，真与假的对比。因此，对这两者的研究是不可缺少的。所谓美感就是你心灵基点通过视觉所作的观察，欣赏的含意往往与你的观点倾向紧密联系着。印度诗人泰戈尔说：“麻雀看见孔雀负担着沉重的尾翎而替它担忧。”在财迷看来，孔雀的尾翎粘满了“金元”。
古琴声调清丽、空蒙，听之以耳，应声之于手，动之于心。可以撩人心绪，寄兴于无限，操弦骤作，如飞泉悲鸣，秋雨敲檐；轻抹慢弄，似白云出岫，暖风入林。但在弹棉花的人听了以后却说：“这与我得弦声没有什么两样！”美感以及对美的鉴别、欣赏是心灵的财富，这种财富，只有在“生活中的淘金者”方具备。“若问心灵为何物？恰似墨画松涛声”。这是日本一休禅师的一句名诗。

　　摄影美的特征与其它造型艺术有共同的地方，也更有特殊的方法。那么不同的地方在哪些地方呢？例如摄影永光并不像绘画可任意选择，选择与绘画内容表现最合适、最恰当的光线。特别在新闻摄影中，他绝对得服从内容，无法选择，安排理想的光线，有的甚至选择角度的范围也很小，所以摄影记者必须常备闪光灯。他以捕捉思想感情、内容、事件的真实高潮性来取胜。新闻照片主要以思想性为主，美的形式其次。他要求摄影记者思想观点明确，赋予思维和敏感，有预见性和卓识远见，动作利索，收缴敏捷。艺术摄影可以选择用光，安排适当的拍摄环境，可选择模特以及风物，允许构思、构图、角度以及等待的选择，它比拍摄新闻照片的条件优越得多，有思考、创作的余地。但是必须从这些有利的条件中，得出艺术表现的效果，他将就从内容到形式的美，从用光到构图的完整性。拍摄静物不但讲究移动灯光的巧妙效果，而且要拍出物的质感，或者是柔和高调，或者是色调的强烈对比，均会产生吸引人的佳作。拍摄凤光是不仅要表现山水、树木、波涛、奇峰、江河的气势，而且要注重气候、烟雨、晨曦、落日、风雪中的特殊情况下的奇异气氛。恰当的用光、独出心裁的构图，动与静、大与小的对比往往会给风光摄影以美妙的效果。此外，无论人像、建筑、体育等摄影题材，关键在于平凡常见的事物中，拍出新颖、耐人寻味的照片，所谓艺术摄影，是必须美、典型、完整、感人及欣赏之后给人以深刻的印象。

　　一张照片要想给人以美感，光有完美的技术、恰当的用光、角度、构图、色调等还不够；有关摄影技术之外的，但对于一幅照片起着十分重要的影响，甚至有关成败的，那便是选什么样的模特儿的问题。特别是人像、广告摄影尤其重要。对人像模特的审美的确需要广泛的指示，专门的学问。没有对世界名画的研究，没有对巴尔扎克、雨果、莫伯桑、福楼拜、托尔斯泰、陀思妥耶夫斯基、莎士比亚、歌德、杰克•伦敦、狄更斯等的文学名著的欣赏功夫是难以选好模特的。在生活中我们经常遇到有些人长得很美，但很经不起镜头的考验。有些人虽美，但缺少一种吸引人的所谓魔力；有些人的美是平淡无味的；有些人的美是忧郁深沉的；有些人的美是轻浮放荡的；有些人的美是忠实稳重的；有些人的美是活泼典雅的；有些人的美是粗狂野性的；有些人虽美却脱离不了俗气等等。

人以美感的正面应该是简洁的，越简洁才能越集中、越突出、越明朗。如果说最奇妙的美，是瞬间即逝的美，那应用摄影来捕捉表现是恰当的了。摄影由于借助科学，很容易掌握，也存在着很大的偶然性，这种偶然性给许多后期的摄影者戴上桂冠。但是像成为摄影家决不是偶然性可以帮忙的，研究美、表现美，是摄影家永远取之不尽的题材。摄影师不靠偶然性的，他靠深思熟虑，靠把广泛的知识用于巧妙的构思。靠心灵与经验的积累。

　　摄影家应该用天文学家的眼睛观察宇宙，用地质学家的眼睛观察矿藏与地貌，用心理学家的眼睛观察人，用医生的眼睛来观察病，用美学家的眼睛观察美，用“法官”的眼睛观察“是非”，用侦探的眼睛去观察真相，用情人的眼睛去观察自然。

观察使画家黄胄笔下的毛驴干净、可爱，使毛驴登堂入室，观察使齐白石的虾蟹栩栩如生，跃然纸上，观察使石鲁的书法势如华山奇峰之石，掮山之力，观察使远古祖先书画同源，书从画起。观察使开悟的先导，感情的阶梯，探索的启迪。

　　摄影家的观察能力，应该高于其他造型艺术的专家，由于摄影术特点的原因，使它不能低于画家和雕塑家，诗人与作家！但事实恰恰相反，摄影者水平不高的原因是文化知识、艺术修养素质问题，本来摄影家的眼睛应该是很厉害的，许多人却有眼无珠，或思想平庸，甚至不懂观察与思维的关系，不懂思维与艺术构思、艺术创作起着何等作用！
六、形式

　　一切造型艺术均各自有它的独特艺术形式。就摄影而言，有肖像、风光、小品、静物、广告、体育、建筑、舞台剧照、新闻等。其中每个科目中又有若干不同的形式，例如肖像摄影中，又有高调、低调、古典、现代、暗室技术技法制作等不同形式的区分。

　　艺术形式不是孤立的为所欲为，随心所欲。而是根据对不同事物、不同题材、不同对象的深刻理解、研究、观察体验、反复思考以后而定的。形式为表现法的最终手段，它不仅在拍摄是考虑怎样拍？更应该考虑采取什么样的表现方法，采用什么样的形式更恰当，更好的表现不同的题材。如果一位摄影者，他所拍的作品都是一种形式的或大同小异，这就反映出他的思想狭隘，缺乏修养和技术不够全面，即使思想问题也是技术、欣赏与眼界的问题。

　　摄影是利用科学手段依靠光来记录事物之表，这叫做直接记录形式，这种形式是新闻摄影常用的表现方法。而艺术摄影则采取间接表现事物，力争通过其表刻画其里，不是一目了然，而是给观赏者留有遐想、悬念、回味和深思。因此，它所采取的表现形式要复杂的多，纯粹纪实是远远不够的。形式，对于新闻摄影来讲，不是成败的关键，但对艺术摄影来讲，形式是一帧作品的首要问题。

　　摄影家与摄影爱好者，若想提高摄影技术和艺术，不要单纯钻入技术的“象牙之塔”，应该提高自己的素质，学会理性思维、理性做人。开阔眼界与心胸。尽量一直是学问位营养，善于观察真正的美，因为美十分许多层次的，丑中有美，美中也忧愁。今天的摄影家已经感到美学对摄影的关系，若想把摄影作品提高到一定程度，不了解摄影美学的特征是不行的。美学在摄影创作中所起的作用，不是照相机、感光化学、摄影技术所能代替的，这种认识和开悟，是八十年代以来逐渐清醒的，显然这将把我们的摄影艺术推向一个新的层次，否则与日新月异的摄影科学飞速进步相比，摄影艺术的进步还有待于全民的素质提高，但摄影家是一定要走在群众前列的。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:29
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作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:30

	风光摄影的美学诠释

http://e.jmnews.com.cn　 2009-3-27

■ 《斜阳一抹写金秋》黄卫东摄

■ 《晨雾染霞彩》周其成摄

■ 《喜马拉雅晨曦》何瑞微摄

■ 《坝上云霭》李坚润摄

■ 《高原夕照》陈来庆摄

■ 《香樟报春》李柏林摄

■ 《雪域丹青》李锦健摄

■ 《新疆之秋》陈国良摄

　　□ 何记　　
　　在当代艺术中，摄影已占据了重要位置，摄影的意义已从单一的图像摄取发展到现代观念对图像的再诠释，使我们对摄影的本质和摄影美学的探索进入到一个崭新的领域。摄影以它的兼容性和渗透力与其它艺术门类交织在一起，共同推动今天的艺术世界走向辉煌。
　　风光摄影是艺术摄影的一个分类，是受到摄影爱好者普遍喜爱的一门艺术，风光摄影所记录的、所表现的是美，纯美，唯美，意境美；它之所以受到欢迎，是风光摄影的创作过程和美学内涵，它的创作过程是一种享受，它的美学内涵让人陶醉。
　　但是，能成为真正的风光摄影大师又有几人？因为风光摄影并不单是“玩摄影”那么简单，要拍出成功的作品，它需要风光摄影家具备一定的综合素质，除了要懂得摄影的基本技巧，如用光、构图外，很关键在立意，很多人就忽视或跟本就没这种意识。其实立意很重要，画面有没有意境，决定了作品的生命力。意境是怎么来的？古人说：意在画内，功在画外。这是一句艺术创作的名言，这个“功”字，就是指一位艺术家所具备的综合素质。想在风光摄影创作中获得成功，就要懂得欣赏文学艺术，尤其是诗歌；懂得欣赏美术，懂得欣赏音乐，甚至现代艺术；还要懂一点哲学。接触知识门类越多，越能提高人的艺术品味。
　　意境有三个特征：第一个特征，具体而真实的境象能使读者(观赏者)为之感染，引起对艺术的感受而产生共鸣；第二个特征，这种具体而真实的境象是“意造”的，它溶铸在理想化和情感化的艺术表现之中；第三个特征，理想化和情感化的境象是“意匠”加工的，必须给予读者充分的联想和再创造的余地。
　　何为意境？具体来说就是：文学的诗意，美术的画意，音乐的韵律，哲学的哲理。
　　文学的诗意，就是在风光摄影的作品画面中，让观赏者读到诗的意境。它的创作方法一位古人早就为我们设计了，就是“登山则情满于山，观海则意溢于海(刘协诗)”。美术的画意有一句话高度概括：诗是有声的画，画是无声的诗。画意，建议重点关注中国画的特点，中国画的画意简单来说有三个：蒙眬美、透视美和色彩抽象美，以光影作画，用层次、质感、色彩来表述画意。音乐的韵律，十九世纪艺术评论家瓦尔特帕特有句名言：“一切艺术都渴望具有音乐的特征。”音乐的韵律以声音来表达，而平面艺术的影像怎能表现“韵律”？在视觉影像中，重复就是节奏，变化则为旋律。
　　本期《百姓摄影》发表的风光摄影作品，虽然未算尽善尽美，但它们都具备了风光摄影的美学特征，能给予我们美的视觉享受和学习借鉴。

《江门日报》2009-3-27日 A13版【百姓摄影】版

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:31
无表情外观摄影美学探索景观社会 2010年07月04日

来源：博联社

Subway Portraits,Walker Evans

起初，“无表情外观”这个词大量出现在评论家描述一些戏剧或电影的文章里。渗透到摄影则需将时间轴线拉至1990年代，一些摄影家使用4X5或8X10英寸画幅的座机，彩色负片拍摄人物，在内容单纯，色彩中性的背景下，要求被摄对象不要有任何表情或情绪表露，直视镜头等待拍照结束。这种拍摄方法被称之为“无表情外观摄影”（Deadpan Photography），拍摄内容除了人像，还包括自然景观和人文景观等多种题材。现在，“无表情外观”是当代摄影界一种主流的摄影语言。
发轫于“类型学”
如果在摄影史中追溯无表情面孔的肖像照片，人们可以回想到胶片还未出现的摄影术发明早期。在1839年摄影术被发明后的很长一段时间内，摄影师由于漫长的相机曝光时间内，被摄人物稍有晃动就会拍虚的原因，不得不设计一个支架来支撑顾客的后颈。顾客被告诫尽量别动的同时也只好让自己的脸保持毫无表情。可以说，这种情况下拍摄的肖像照片都是一种冰冷疏离的风貌。二十世纪以来，摄影的记录功能被日益重视，并成为各种摄影门类的主流表达方式，在无表情外观的摄影美学的建构中，从20年代的德国"新客观主义（New Objectivity）"摄影到德国摄影教师贝歇夫妇（Bernd &Hilla Becher）的摄影实践，再到他们所创立的杜塞尔多夫学派，似乎对在当代的这种风貌的形成和发展提供了一个非常典型的样本。德国"新客观主义"兴起于上个世纪的二十年代和三十年代，代表人物除了记录20世纪人类面孔的奥古斯特·桑德，还有拍摄德国鲁尔区景观的Albert Renger-Patsch(1897-1966)和关注被放大后的植物细节的Erwin Blumenfeld(1897-1969)。他们的摄影方式是百科全书式的，大都采用类型学的方法。类型学是一种分组归类方法的体系，因为一个类型只需研究一种属性，所以类型学可以用于各种变量和转变中的各种情势的研究。在人类学和考古学中，类型学体系可以建筑在生物、绘画、建筑、社会制度或思想意识的各种变化因素的基础之上。"新客观主义"摄影家把精力集中在一个拍摄主题即类型上，以黑白胶片客观理性的记录自然、工业、建筑和人类社会。这种把摄影作为一种视觉工具来做以社会学或自然科学研究的方式，奠定了当代艺术摄影的方法论和工作方式的基础，也是“无表情外观”美学兴起的源头。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:32

August Sander ,Painter (Anton Rderscheidt), 1926

德国的贝歇夫妇延续了新客观主义的摄影理念，并以此理念培养了一大批目前活跃在当代艺术摄影界的学生们，造成了"无表情外观"的摄影美学洪流的涌现。上个世纪的五十年代末，贝歇夫妇在德国杜塞尔多夫美术学院（Dsseldorf Art Academy）学习绘画，他们注意到曾经是德国政治经济繁荣的象征的重工业建筑正在被拆毁或改造，试图用素描记录这些正在消失中的工业建筑景观。因为绘画的速度跟不上景观消失的速度，贝歇夫妇发现使用照相机来记录这些时代的变化是适合的方法。他们以新客观主义的摄影方式，不使用全景或鸟瞰的取景方式，而是把各种工业建筑物按不同类型分类，作为画面中主题，这些内容包括采矿塔、鼓风炉、粮食升降输送机和水塔等。这些工业建筑照片除了在德国拍摄，还有一些来自于美国和欧洲各国的工业景观，贝歇夫妇使用座机和黑白胶片，选择阴天时拍摄以得到白色背景，拍摄相同类型的作品以网格的形式拼接在一起，形成了颇具构成意味的作品，在艺术表达和科学图存方面都有意义。从1976年到1996年，贝歇夫妇作为杜塞尔多夫美术学院摄影系的教师，培养了一批为世界熟知的德国艺术家和摄影家，包括Laurenz Berges, Andreas Gursky, Candida Hfer, Axel Htte, Simone Nieweg, Thomas Ruff, Thomas Struth and Petra Wunderlich。摄影界的"杜塞尔多夫学派"由此而形成。这个学派的风格几乎涵盖了无表情外观美学的面貌，代表摄影家，如安德烈·古斯基（Andreas Gursky，1955-），托马斯·鲁夫（Thomas Ruff，1958-）和托马斯·斯特鲁斯（Thomas Struth，1954-）的作品采用传统摄影的大画幅相机与数字图像处理技术结合的方法，以端正的透视取景，丰富的图像信息，清新冷静的色彩表现和所摄画面中的景观或人物的冰冷的外观为共同特征。他们把作品数字输出放大到数平方米的尺寸，这个尺寸的照片很适合在宽敞的博物馆或画廊里展出，同时也提高了作品的市场价值。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:33

Thomas Ruff，portrait 1999

作为肖像的"无表情外观"
出身于贝歇摄影班的托马斯·鲁夫的《肖像》（Portraits）系列，可以很清晰的确定无表情外观的摄影美学的面貌。这个系列从1980年开始，被摄者来自他的同学、朋友或志愿者，他们穿着普通衣饰坐在摄影棚的椅子上，被要求以平静、自信、严肃的表情面对相机。1986年以来，鲁夫使用白色背景拍摄，把这些照片放大到210cm x165cm来展示，从而形成了无表情外观的典型面孔。鲁夫的肖像没有透露有关国籍、种族、社会身份等信息，作者以一种严肃、端正、平凡的特写构图，柔和的光线和色彩，毛孔发丝清晰可见的大尺寸画幅进行拍摄。和桑德以类型学方法对社会各阶层人物做分类记录的方式完全不同，鲁夫拍摄的肖像是消解了身份的普遍人类的肖像。鲁夫对摄影本身的看法似乎能成为无表情外观美学的一个注解。在鲁夫看来，摄影不能够反映人类皮肤以内的任何东西（没有"内在性"），这和大多人对摄影的看法完全相悖。人们从摄影发明开始就把它作为一种万能工具过度使用，热衷于把摄影当作窗户向外看世界，或者当作镜子看自己，从而忽略和掩盖了摄影的"复制性"的本源概念，鲁夫坚信摄影唯一能做的事只是复制，尤其是在艺术的范畴内。这些冷冰冰的肖像强调了成像的机器所呈现给人类的原本状态，强调了一直被人们的思想或热情所忽略掉的，但却是最重要的东西。这是一种对"绝对的客观"的逼近。
值得注意的是，鲁夫的做法非常清晰地反映了一种新的社会构成和社会规制正在形成所造成的冲击，我认为这一冲击并没有体现在此前的摄影评论中，它成了一个必须要索形的失踪者。实际上，鲁夫拍摄《肖像》系列的时期，恰是东德人为了逃避共产主义的统治，越过柏林墙，大量涌入西德的时代，这些非法入境者利用伪装术、关系网、虚假的身份证件以及贿赂，希望能成功地转换身份。这一非法入境浪潮使得西德社会产生某种"焦灼感"，西德人加大了对身份控制的管制力度，尽管东德移民具有相同的民族性（"内在性"），但是，他们并不认可这种内在性，他们更关注的是皮肤以上的形态，例如营养不良以及区域的相貌特征，以便与之区分。鲁夫所效仿的这种证件照式的摄影方式恰恰是敏锐地感觉到了摄影、无表情外观以及社会管制之间潜在的脉络。摄影所索取的"绝对的客观"恰恰是为了辨认、进而形成社会分离；摄影所追求的复制完全服务于社会控制和人群管理；肖像中面孔的"无趣而荒芜"正折射出摄影在新的社会冲击下的命运：消除内在的热情，恢复表皮的冷漠。因此，鲁夫为"无表情外观"奉献了一种更为广阔和冷酷的历史理性，这一冷酷程度远远拓展了"无表情外观"摄影语言所能企及的程度。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:33

Bernd and Hilla Becher ,Watertowers 1972-1986

"无表情外观"的景观摄影
无表情外观的摄影美学最集中的表现，是在景观摄影上。景观具有可在文化地理学、类型学、美术风格等方面多重内涵的表述，也是人类的现代化进程中高明或蹩脚的符号和物证，因此拍摄景观照片，揭示人类对自然景观和人造景观的构建和破坏，在当代艺术领域是一个重要的主题。贝歇夫妇摄影班的学生几乎都拍摄景观作品，他们大多专注于特定的几个景观类型的题材进行多年的拍摄工作。鲁夫早期的景观摄影作品采取和肖像拍摄一样的理念，冷静有序地拍摄建筑最平常姿态的外观，剥离视觉美学修辞赋予建筑和景观的氛围和幻像。托马斯·斯特鲁斯最知名的作品之一的《博物馆照片》系列，拍摄美术馆中人们参观的场景，探讨艺术和观者，艺术和摄影之间的关系。Candida Hfer则拍摄了全世界的图书馆。在英国摄影批评家和策展人夏洛特·科顿（Charlotte Cotton）看来，贝歇夫妇的学生安德烈·古斯基的作品是体现无表情外观美学的最具典型意义的艺术图像。如果说鲁夫的作品重新强调了摄影的记录和复制的本性，这是无表情外观摄影美学的特性之一，古斯基的作品则确立了无表情外观图像的"宏壮"气质的表达。古斯基来自商业摄影师世家，在师从贝歇夫妇之前就掌握了制造图像的各类摄影技术，尤其是强调细节和肌理的商业摄影语言对他影响甚深。古斯基的关注点是有关全球化中的生产、服务、贸易和消费的城市景观，如公司办公场所、股票交易大厅、商品卖场和城市公共空间。他的作品尺寸最长边可达到五米，近距离观看又能发现丰富的细节和信息，取景角度之广超出了广角镜头的范围，是因为作者前期分区域取景拍摄，然后在数字后期制作中拼接起来。这些图像将资本社会的镜像以裸露的姿态呈现，超越了肉眼所能涉及到的透视范围，从而令观者畏惧不安。

Andreas Gursky, Greeley,2003

根据以上所述似乎能得出一个论断：无表情外观的摄影美学由德国摄影所确定。然而正如美国人在1976年号称自己的"新彩色摄影（New color）"完成了彩色胶片在艺术摄影中的首次优美表现,却没有注意到在此之前的几十年里，欧洲摄影家已经开始了和"新彩色摄影"很类似的手法的实践；无表情外观美学的确立也不仅仅是德国摄影或贝歇主义者们所为。在早期的德国"新客观主义"盛行时期美国也出现比较类似的纯粹摄影(Straight Photography)风潮，倡导使用简明直接、不加修饰的摄影语言拍摄照片；而1930年代名声鹊起的沃克·埃文斯则用纯粹摄影的手法关注美国乡镇的景观和人们，他为农业安全局拍的农民妻子的照片，几乎就是当代的黑白版无表情外观的摄影美学充分体现。在70年代贝歇夫妇确定了自己的摄影理论的同时，也有一批以罗伯特·亚当斯（Robert Adams,1973-）、刘易斯·巴尔兹（Lewis Balts,1945-）和理查德·密斯拉克（Richard Misrach,1949-）等为代表的美国摄影家进行"新地形学"（New Topographics）的摄影。他们采取中性客观的观看态度，呈现美国大地上被现代化进程改变的自然和城市景观。理查德·密斯拉克是美国当代摄影界的大师，他的景观摄影具有无表情外观的显著风格，又具有不同于德国景观摄影的个人特色。他使用8X10座机和彩色胶片，作品关注的是美国的政治、经济行为对自然环境和生态的忽略和破坏，主要作品《沙漠诗篇》（Desert Cantos）根据拍摄内容分为十个篇章，并以诗学的词汇命名，如The Flood, The Fires, The War，其中内容涉及到美国核试验基地对美国西部沙漠的影响，以及那里的生态状况。和欧洲的摄影家相比，密斯拉克的无表情外观图像的背后似乎承载了些许拍摄者的乡愁。

Richard Misrach作品

坦率地说，无表情外观美学体现在景观摄影上比其他任何地方都多。这不仅仅因为景观本身所存在的那种"无涉性、固定性以及直接呈现性"，使得艺术家可以保持对拍摄对象的非干预性。更重要的是，景观非常敏感地展现了人类对自然的侵入程度和人类之间的内部关系。例如古斯基的全球化下的城市空间景观，他所关心的是这些建筑所呈现出来的社会关系的构造，无论是公司办公场所、股票交易大厅、商品卖场，都是由强大的资本阶层所主导，这些"少数人"制造出宏大而现代的建筑容器，来容纳"多数人进入这种社会关系"，就像德波在《景观社会》中表达的那样，"少数人演出，多数人默默观赏的某种表演"。被支配的多数人以"一种痴迷和惊诧的全神贯注状态"中沉醉地观赏着"少数人"制造和操控的景观性演出，并自愿理解"少数人"所控制和主导的生产、分配、交换、消费的全流程。在摄影家看来，这种迷入性的"看""意味着控制和默从，分离和孤独"，而无表情外观的美学恰好暗合了这种"看"的形态，从而将摄影家推向冷酷的旁观者和深刻的揭露者的角色。当然，这个并不妨碍他们在艺术市场上收获成功。古斯基的作品一度成为艺术品拍卖市场上最贵的摄影作品，这意味着无表情外观美学具有可观的市场价值和牵引潮流的可能性。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:34
"无表情外观"的技术美学要义 无表情外观的摄影美学在当代摄影界越发被关注和使用，近年来比较突出的摄影家有拍摄肖像的Rineke Dijkstra ，Cline van Balen；拍摄景观的有Alec Soth，爱德华.伯丁斯基（Edward Burtynsky）、Axel Htte；拍摄静物的Thomas Demand。全球最大的相册网站Flickr上也建立了名为"Deadpan"的摄影小组，似乎这种摄影美学已经普及到了摄影发烧友的层面上。那么一个摄影师如何制作无表情外观风格的图像呢？首先他需要使用技术相机，最好是8X10的画幅，同时可以根据偏好和成本使用彩色负片或数字后背。其次他需要运用某些营造冰冷氛围的技术和趣味，使用大型闪灯和对景深的控制是最基本的技能，除此之外，比如抓拍人们面无表情的瞬间，拉远或抬高与拍摄对象的取景距离，或者使用数字技术做比现实更逼真的后期处理。做到这一点，摄影师至少可以获得了无表情外观的"外观"，许多平庸的摄影师和爱好者通常会到此为止。如果摄影师拍摄的照片想被批评家确认为当代艺术作品，或想得到策展人或画廊的青睐，他还需要进入第三步，在作品中注入和思想、科学或文化相关的主题。无表情外观的摄影美学遵从者几乎把桑德和埃文斯时代的拍摄者的同情心剔除掉，而只是把自身定位成一个就事论事的证据收集者，这在某种程度上成为缺乏思考力和责任感的摄影师的托词，使得这种美学可以界面友好的普及在一般摄影者层面上。

Cline van Balen，Figen, from the series“Islamic Girls”，1998

对细节的冷静如实地描绘记录是无表情外观的摄影美学的要义，而作品大尺寸的输出和展览是另外一个重要的特征。摄影的记录性本质，自摄影发明早期逐步被人们认识到，但如何适当的表现在照片中，则历经了一个时间不短的历程。这个历程既是和摄影有关的器材、胶片和技术的发展过程，也是人们观看方式和工作方式变迁的过程。当代社会作为图像信息泛滥的时代，商业图像、媒体图像，乃至一些艺术图像，为了争取到观者面对众多图像中的选择性一瞥，而极力使用各种审美的视觉修辞强化图像的外观，或追踪观者少见罕见的图像内容。面对这些图像暴力的侵犯，观者会随着时间和频率的累积而感到麻木，"无表情外观"的图像反而令观者感到面目清新。另外，无表情外观图像的大尺寸展示既是这种摄影语言最恰当的表达形式，也对摄影作品进入当代艺术品市场提供了一条捷径。简单的说，摄影作品在当代艺术中之所以占据了非常重要的地位，一方面是图像自身的特性使其成为制作当代艺术的适合工具之一，另一方面就是图像能够依靠数字技术进行像素的堆积和扩张，使其足以和绘画的尺寸和价格抗衡。"无表情外观"既是摄影的形式语言，也是拍摄内容本身，它使得图像的尺寸大小也成为有助于主题表达的摄影语言。
可以说，无表情外观的摄影美学是摄影自身的记录特性的一种极致表现，它的灵光或幽魂一直伴随在摄影发展的进程中，但只有到了传统摄影技术和数字摄影技术都发展成熟的当代，才确立了清晰的面貌和身份；而艺术市场的发展和繁荣，全球化经济文化的多样性呈现，使得这种摄影美学得有用武之地。但是无表情外观的美学形式把摄影的记录功能提升到一个顶峰，同时也带入了难以为继的死胡同。或者说，任何一种艺术潮流一旦被大量模仿复制，它就容易失去原本鲜活前瞻的面貌而变成批评家诟病指责的靶子。更何况，无表情外观的外观是如此的刻板规范。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:35
台湾著名摄影人：平遥古城见证世界摄影美学十年发展史2010-09-19 21
来源: 新华网(广州)

平遥古城再度举办“光影盛宴” 第十届平遥国际摄影大展开幕，9月19日，在平遥古城文庙展区，一名摄影爱好者在一个水缸旁翻看刚拍的照片。新华社记者燕雁摄

新华网山西平遥９月１９日电（记者刘翔霄）世界文化遗产平遥古城１９日迎来“平遥国际摄影大展”的１０岁生日。曾多次策展、参展的台湾著名摄影人钟永和、庄灵说，这座拥有２７００多年历史的古城，正在向世人呈现一座绝美的视觉语言文化城市，并当之无愧地成为国际摄影艺术展舞台的代名词。
“经过连续１０年不懈的努力，如今的平遥国际摄影大展不仅见证了世界摄影影像美学过去１０年的变化发展，并且正在以加倍的自信，为世界摄影美学勾勒出一幅未来的发展蓝图。”７０多岁的台湾著名摄影人庄灵说。
６．４公里长的平遥古城墙，完好地围护着一个研究中国政治、经济、文化、艺术发展历史的“活样本”。古城内２平方公里多一点的土地上，纵横交错着１００多条大街小巷。１９９７年，联合国教科文组织将平遥古城列入世界文化遗产名录。２００１年，平遥率先创办中国首个国际图片展示交易盛会 “平遥国际摄影大展”。

记者从组委会方面了解到，平遥国际摄影大展举办１０年来，参观展览总人数超过１６０万人，参会中外摄影家１．６万多人，各种流派风格的图片８万多幅。平遥国际摄影展图片除在古城内展出，还在美国、法国、澳大利亚等全球多个国家和地区举行了精品巡展，被业内誉为“全球摄影人的奥斯卡”。
“平遥十年在国际摄影界，甚至近代中国摄影史上都留下了非常深刻的烙印，它开启了华人摄影视野和国际影像艺术的联结。”钟永和说，２０１０年平遥摄影大展主题定为“信心力量”，具有开创更广阔的国际影像视野的深远意义。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:35

9月19日，摄影爱好者在第十届平遥国际摄影大展开幕式上拍照。从2001年首届165名摄影师参展，到今年1800多名摄影师参展，平遥国际摄影大展已经成为国内外知名的、能够展示和代表当代世界摄影艺术水准的独特文化品牌。新华社记者燕雁摄

“古城的老建筑与世界上最年轻有力的新艺术之一摄影术之间，形成了巨大的对比和趣味。我们不仅阅读照片，更重要的，我们还阅读展览。”平遥摄影大展艺术总监张国田说。
的确，平遥国际摄影大展从来就不缺乏好的照片，然而展览本身却始终存在着进步空间。庄灵老人回忆当年首次受邀参展的情形，至今仍记忆犹新。当时，他带去了自己的系列作品“文人父亲”，几乎和所有受邀参展的中外摄影家一样，他们的一张张作品就被斜靠在古城内各式老建筑的古旧木桌、茶几、有靠背的椅子或窗台上。
“他们绝大部分都欠缺起码的照明，甚至连便于观众欣赏回旋的空间都没有。”老人说。
九年之后，平遥国际摄影大展的展区不仅有了极大的扩充，而且空间的设计和利用更是令人称绝。“它和当今世界先进国家主办的国际摄影展相比，不仅毫不逊色，许多地方甚至更有超越国际的亮丽表现。”庄灵说。

大展就是一场视觉对话，不仅是策展人与拍照者之间的交流，更是策展人与观众、拍照者与观众的思想传递。在众多摄影人看来，得益于此，才使平遥国际摄影大展得以具备不断反省、不断前进的动力。
在台湾老、中、青三代摄影人的眼中，平遥国际摄影大展俨然成为一个特殊的展场。５次参展以来，台湾摄影家多元的艺术表现、百花齐放的专业成果，已经引起大陆摄影界的广泛注意。
“平遥摄影大展在前进，并且成为全球中国热中一个具有标志性的国际文化活动。”钟永和说，此刻，许多著名的西方摄影经纪人、艺术评论者仍在古城内的各个角落，细细寻找着最具中国文化内涵的各类影像作品。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:36

9月19日，摄影爱好者从平遥县衙展区走过。新华社记者范敏达摄

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:37
《浅谈摄影艺术的美学特征》
作者老刁

摄影是造形艺术中最能体现现代意识和产生创造性的一个门类，一百多年以前，摄影才刚刚兴起的时候就曾遭受过文学和绘画的愚弄，但它毕竟摆脱了这些阴影，成为众多艺术门类中独立的一种。现阶段，摄影正经历着一个重要的时刻，造型的和纪实的因素并存于创作的统一体中，在这一创作的过程中人们认识了一种特征和总结了一套规律---摄影美学特征和审美规律。
摄影艺术能够独立于艺术之林，必然靠一种独特的东西、自己的特征出现，那就是画面的形象。靠画面形象说话，客观世界中具体事物形象是摄影表现的原型，任何艺术形式都靠形象来描绘，也就是有他的艺术语言，艺术家们创造性地运用这些语言再现出了层出不穷的或赏心悦目或荡气回肠的艺术形象。摄影的独特的艺术形式和它系统独立的标准是用照相机说话，靠照相手段反映现实生活的具体可视形象，这就是摄影艺术的特长和优势，是其它艺术形式所不能比拟和无法替代的，摄影艺术表现现实生活的形象，具有直接、具体、真实、鲜明、生动的特征，使人从照片的画面中得到认识、教育和感染，产生激动奋发之情和进取之力，这也是摄影艺术在现实生活中的社会功力。
自然界有它本身的美，但表现自然美的照片却不一定都是艺术摄影作品。相反，通常看来并不美的自然景色、人和物，却能拍成很美的照片。这是因为艺术家把内在的想象力和娴熟的技巧结合起来，通过一定的形式表现出来的。事实上，效果最好的照片是不违背自然形象，又力求高效简化，敢于大胆处理线条、色调、形状和质感的那些东西，汲取那些最本质的视觉美点，使之处于突出地位，剔除那些妨碍中心思想的成分，或使之处于次要地位，把它们纳入取景器，以完全满意的方式加以处理，包括暗房加工制成照片，这就是摄影家自己的表现形式，靠这些形式使观众对视觉美点也能一目了然，达到摄影艺术的目的。一些优秀的摄影艺术作品，都是用简洁、凝练的艺术形象去揭示一定的思想，去传递一定的美感，去启迪人们认识生活的各个侧面。
摄影艺术表现美，实现美，必须借助于完美的形式，使美得以展现，得以附丽。有好的内容还需要靠好的形式来感动人，内容只有与形式融为一体，才是真正成功的艺术品，才能真正的有艺术美感，因为我们在生活中看到的一切，总不能巨细无遗的全部描绘出来，必须有选择、有取舍、有剪裁，逐渐找到一些不再跟自然一样，然而比自然更完美的形式，我们说这种形式就是理想的美，个人有个人的理想的形式，也有个人的审美观点，靠这些观点对生活和自然进行加工改造，创造出比自然更完美的理想作品。
在艺术的认识上，关于美的问题争论太多，焦点又在于艺术形式美与内容美哪个重要的问题上，实际上艺术不能没有形式美。实践证明，凡是流传于世的艺术佳品，都是靠强烈的形式美感来支撑它，艺术作品正是通过审美作用来打动读者，唤起人们的感情力量和意志力量，起到“一图胜千言”的认识作用和教育作用。新闻摄影也不例外，有人认为新闻摄影是纯纪实的，对形式的美不能求全责备，所以忽视了形式的追求。我认为一幅好的新闻照片同时又有它的艺术价值、形象价值。一张报纸拿到手以后，首先映入读者眼帘的是照片，如果照片的形象价值高，具有一定的艺术性，就能很快吸引读者，打动读者，然后才去阅读文字说明，真正起到新闻摄影的社会功能和目的。决不能否认艺术形式对于内容的依附作用，而且只有完美的艺术形式，才能表达人的观念与感觉。
摄影艺术发展到今天，已经证明了一点，这就是摄影艺术具有强烈的诱惑力和生命力。这是因为美在摄影中的出现，我们在观察一幅摄影作品时也力求从作品中寻找美的存在，不论是外在的美还是内涵的美。所以摄影艺术不可回避“美学”。摄影艺术虽然还属于新生的艺术，处于探索发展之中，但它的巨大的艺术潜力已经展现在我们眼前，过去曾经是美术家嘲弄摄影，现在摄影艺术的发展已经为绘画和其它艺术提供了可利用的成果，在绘画中也出现了模仿摄影的写实主义，那种“一百个摄影家拍摄同一景物，拍出的作品都一样”的说法是完全错误的，有的人把摄影说成是“物质现象的复原”，其实即使是一百个摄影家拍同一景物，拍出的作品也是不一样的，不同的人有不同的思维方式，每个摄影家对同一个物体有他不同的表现形式：不同的镜头，不同的附加镜，不同的感光材料，还有不同的加工方法，怎么能说一样呢？
由于摄影有它的纪实功能，人们把纪实摄影认为是摄影艺术的主体。不可否认摄影的纪实性也是摄影的一个艺术特征，也是一种特殊的审美意识，可以说纪实性摄影至今仍是摄影艺术的主要组成部分，其中包括新闻摄影，也包括艺术摄影纪实部分，所以人们把纪实性作为摄影艺术区别于其它艺术门类的主要的特征。但是摄影艺术发展到今天，也有了它的流派和风格，也不可忽视它的纪虚性的特点，如以摄影脱胎而来的电影艺术，以虚构、假定为特征的故事片，是电影艺术的主要品种，又如在摄影创作中的集锦摄影、影画合璧、广告摄影、摄影小说，这些都是以虚构作为主要手段，同样也给社会带来很大效力。所以说摄影艺术的美，在不同题材、体裁的作品中，有不同形态的表现。
说到摄影艺术的内容美，也就是作品的内在美，内在的东西到底还是要靠一定手段来表达，在摄影上表现内容的手段不外乎构图、光线、影调、色彩等，这些就是构成摄影艺术的基本因素，当摄影家发现美以后，恰到好处地运用这些基本形式，将发现的表现出来，才是最重要的，各人有各人的表现方法，要凭作者的感觉，用自己的感受来表现。对内容的理解是因人而异，是由于心理上的差异决定的，理解程度的不同，表现出的形式也不一样。反过来说，一幅摄影作品可能是令人感动的，也可能是令人冷漠的，这是因为欣赏者有不同的艺术趣味，这在很大程度上取决于用什么样的观点去领会作品的内容，所以内容的美很难有一个统一的标准去衡量，不同的社会、不同的阶层，不同的欣赏水平，对内容的美学标准也就不同，完全取决于欣赏者的主观意向。
摄影艺术应该给人以美感，给人以享受，陶冶人的情操，用点、线、面、光、影、色组成的旋律将会是光辉灿烂的。 (完)

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:39

王春辰：大画幅摄影的开放美学(一)

2011-03-09

　　摄影是什么？自从摄影发明以来，这成了一个问题。它并不因为摄影已经成为我们日常生活的一部分而不再是问题。事实上，随着社会语境的变化和时间的流逝，这个问题不断浮现出来，重新被人们讨论和思考。对它的重视程度和解答差异也折射出不同地域文化的差别和观念距离。例如，摄影最初是作为绘画的辅助方法，而后是作为社会内容的记录，再后来人们把它作为一种独立艺术来看待。到了20世纪后半叶，由于当代艺术作为一种新的艺术思想兴起之后，摄影又与艺术的观念性结合起来，成为一种特殊思维下的语言表达。因此，人们看待摄影就有了多种尺度和观念方法，而不是将它简单地作为一种视觉记录或外在对象的记录。其中所发生的最具革命性的地方，是摄影成为并列于绘画、雕塑、建筑之外的另一种艺术样式和媒介，对它的认识、创作和研究都有了全新的理论体系和批评尺度。

大画幅与摄影
　　那么，关于大画幅（large format）摄影的来历又如何呢。事实上，它是与摄影的发明同步的，早期的摄影因为是采取接触印像（contact printing），而不是放大技术，所以摄影师如果要想拍摄大的图片，就必须使用大的摄影机。所以我们会看到早期摄影师的那些巨大的照相机或暗箱。随着摄影技术进步，4×5、5×7、8×10等成为标准底片，受到摄影师的青睐。早期的摄影家Edward Weston、Ansel Adams等都使用过大画幅胶片拍摄。可以说，因为它的高清晰、大视域、层次丰富而成为专业摄影的绝活，这是一般的摄影和数码摄影所无法达到的。那为什么在今天，它又突出地成为一种显赫而独立的摄影美学类型呢？一是大画幅摄影器械愈加普及，方便摄影师广泛使用；一是它与肇始于德国的无表情美学摄影有密切关系。

大画幅在国际上
　　我们知道，德国德累斯顿的贝歇尔夫妇长达几十年对具有类型学意义的工业建筑，如水塔、仓库、井架等等进行系列拍摄。每个建筑物体都是用大画幅相机从一个视角去拍摄，记下笔记，系统地整理出一套类型学。贝歇尔夫妇通过这些冷漠的工业建筑物，揭示了现代社会的构成方式和生产方式，将我们视为没有情感的对象呈现出它们内在具有的生命力和我们的社会肌体的关系。贝歇尔夫妇的选择正是要见证遍及世界的现代主义历程、它对人类的影响，具有很强烈的考古学意味。他们的努力和主张又通过他们的学生，如安德里亚斯·古斯基、托马斯·鲁夫、托马斯·斯图鲁斯、肯迪达·霍夫（Candida Hofer）、胡特（Axel Hutte）、斯特朗伯格（Gerhard Stromberg）、聂维克（Simone Nieweg）等等，逐渐显示出摄影的直接性、现场感和历史感的价值。他们的大画幅摄影诉求被称作“无表情美学摄影（Deadpan Aesthetics Photography）”，这一流派大部分是德国人，所以也称“德国流派”。在其他国家的大画幅摄影家有加拿大的爱德华·伯汀斯基（Edward Burtynsky）、杰夫·沃尔（Jeff Wall），美国的索斯（Alec Soth）、克里斯多夫·伯克特（Christopher Burkett）、理查德?米沙拉奇（Richard Misrach）、尼古拉斯.尼克森（Nicholas Nixon）等。
　　这一股摄影美学潮流从20世纪90年代开始在国际范围内出现，无表情美学与大画幅摄影成为相得益彰的关系，没有这样一种新的摄影美学的出现和思考，就无法确立大画幅摄影的独立性与可能性，同时也是现代摄影技术的成熟和进步使得大画幅尺寸的摄影制作与印刷越来越便捷和普及。而无表情美学也作为一种艺术思想潮流，成为现今摄影创作的主流之一。它在某种程度上改变了人们对摄影的认识，提高了摄影作为创作手段与方法的地位和自觉性，对它进行总结、研究有助于彰显出摄影在今天时代的价值和意义，并丰富当代艺术的内涵。

大画幅的特征与美学含义
　　这种无表情美学摄影不凸显艺术家个人的主观意识，他们会针对某一个类型的对象进行连续拍摄或系列拍摄，形成某种具有类型学意义的作品，以此集中体现被拍摄对象的内在意义，也就是让作为能指的客观对象显现作为所指的意义，这两重关系紧密结合，赋予当代的摄影以一种独立价值。观众在观看这些作品时，很自然地提出问题、产生兴趣或表达好奇，促使他们去想作品为什么这样、里面的人物是谁、发生了什么事等等。
　　无表情美学虽然没有艺术家的主观意志直接介入对象，但如何选择对象、如何控制现场的对象是他们事先要精心构思与观注的。从这一点上，无表情美学又强烈地体现出艺术家表达观念的积极性和自觉性，而且在制作上并不是任其自然、仅仅是抢拍或抓拍，相反，艺术家都精心地采用大画幅来拍摄。我们知道，小相机拍摄的作品不足以反映出细节和一些微妙的地方，但使用了大画幅之后，这些作品捕捉到我们眼睛平时不容易观察的细节，作品用新的打印技术印制出来后带给人们完全不同的视觉冲击力，也因而形成了完全不同于传统摄影的展览方式。这种大篇幅的摄影作品可以和经典的油画相媲美，从形制上到视觉信息获取上，形成一套全新的无表情美学语汇。也正为如此，大画幅无表情美学摄影才超越了一般的业余爱好拍摄，才达到了专业性、艺术化和强烈知性思维的特征。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:40
大画幅是一种影像运动
　　摄影本来是人类认识世界的一种能力和手段的拓展与延伸，摄影的出现就像印刷术的出现一样，对于人类的文明进程都有根本性的改变。摄影加速了世界的视觉化，真正促成了视觉革命的诞生，它不仅改变了传统艺术的模式，也因此改变了传统艺术的观念。现代主义艺术之所以发生和成立，在相当程度上受到摄影术发明的影响。最关键的是从此在世界的视觉认知与表现上有了全新的技术和方法，所以说摄影的出现是一场视觉革命，而大画幅摄影在20世纪后半叶被凸显出来，应该是说摄影领域中的又一场影像运动。它是在全球化之下的信息流通、地球村的景观化、虚拟现实的逼真化、数字图像越来越普遍的情况下被强化出来的一种视觉回应，它是这些视觉冲击下的一种视觉再突破。它的意义除了无表情美学和观念价值外，还在于它的视觉真实的还原能力和现场的直接性，对视觉世界问题的追问和探索。如果用科学家来做比喻，它是视觉科学家的创造物，大画幅摄影家对机器的操控、对视觉对象的遴选、对光与影的驾驭，处处显示了它是一门专业与智慧的极限。
　　它成为一种影像运动，世界上有如此多的人热衷于它，这与当今人们对视觉的无限欲求有关，一方面视觉处处伴随着我们、主宰着我们，另一方面人们又不断地挑战视觉、超越视觉，将视觉的观念问题、语言问题、感知问题、政治问题、哲学问题推向新的高度，也因此更加突出了视觉与人类存在的对抗关系。因为世界是人类的家，而视觉是打开这个世界的一扇窗户，所以，海德格尔才把世界观隐喻为“世界图像”，我们看到的世界是我们内心投射的世界，世界不仅仅是世界，它具有图像的视觉意义。

　　明乎此，也才能说明大画幅摄影为什么流行起来。另外，当代的展示空间越来越开阔，视觉的效果也成为展示效果的一个因素，它是在这种展示中来进行社会交流的，因此，摄影的公共性就特别鲜明起来。所以，大画幅可以充分展示图像世界的亦真亦幻、充分袒露被忽略的视觉真相。人们往往在富于挑战的图像面前百味杂陈，在揭露问题的图像面前义愤填膺，在矛盾混沌的图像面前苦思敏想，在曼妙绝伦的图像面前如醉如痴……今天的世界意义就是一种图像的意义，大画幅因其突出、细腻、高水准而将摄影的价值推向极致。
大画幅在中国
　　大画幅摄影在中国也受到摄影家、艺术家的青睐，在全国各地都有实践者在拍摄创作。他们巧用大画幅的表现力，不断追踪、记录历史变迁之下的中国之景、之物、之人、之情。他们的特点是抓住了中国的社会瞬间镜头，同时又传递一种矛盾的中国情境：中国变化之大史无前例，内蕴的社会含义无比丰富。这些大画幅摄影家创作的作品可以视作当下中国情境的一部图像志，它们是中国艺术家见证中国的视觉图录。它们将无表情美学原则贯彻其中，相当多的中国大画幅摄影重视现场感，有的凸显现代性方程式的困惑，有的显示中国近代历史的再思考，有的将社会主义的现实悖论置于质询之下，有的追寻的是构成世界的形式之美。

　　从总体上看，中国的大画幅保持了一种静观世界的态度，但内里又透露着无以言说的含蓄。在整个社会氛围的当下迷离状态下，它以开放的姿态向前发展着，它没有单纯固守在一种类型上，相反一些行为表演、观念表现、摆拍也都体现在这些大画幅中，而不是单一的无表情中立立场。很多的大画幅以社会问题的针对性为出发点，而不仅仅是凸显视觉性，实际上，摄影艺术家最为看重的是这些视觉图像之外的意义。甚至说，这是所有艺术的共同问题，在当下的全球与中国语境中，视觉已经不是艺术的问题，而是政治的问题，即当下时代的最大话题——历史的未来问题成为世界共同的话题，它意味着太多的内容，如果要用艺术（无论媒介的艺术）来传达这样的意识和态度，则大有可表现的空间和想象。
　　历来，艺术都分为多种类别，有专供视觉愉悦的艺术，也有只为个人价值存在的，也有针对现实与政治问题的，等等。而作为摄影，除了它的愉悦之外，它的技术性决定了它的深刻性和时间的穿透力。它在记录图像的同时，记录的是时间。正是时间的在场，使得摄影完全不同于绘画，后者的创作时间不等于历史时间的记忆。而许多中国的大画幅摄影在相当层面上是在时间性上做足了文章，用超级镜头来定格时间的瞬间，来显现摄影对历史的塑造、对现实存在的证明。一些中国大画幅摄影以精准的视觉细节捕获时间的每一个痕迹，为的是留存历史的镜像，让我们的视觉知识更加丰富，让我们的视觉记忆更加坚固。
　　纵观艺术与摄影，它们常常以超越的姿态傲然于世界，越是具有价值诉求的超越，就越具有我们言说的可能。同样，大画幅摄影已经开始成为摄影美学的聚焦之一，在国际、在中国已蔚然成风，我们对它们的探讨和持续推动将必然带来艺术的更新和摄影艺术的发展。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:40
　一本摄影圣经的道德与美学问题

　　读《论摄影》

　　范典

　　作为美国知名的“明星”女作家，苏珊·桑塔格以其渊博之识见将“摄影”这一工业化时代的商品产物进行了剥洋葱式的剖析。她严谨地从几大方面去论述“摄影”这种带给人类轻便的工业技术，在生活、艺术、文化及历史等各角度进行深入的探究。“假象即真实”，是本书一开始便提出的，并以“柏拉图的洞穴”来代替人类生存的这个世界———“收集照片就是收集世界”也就应运而生，世界的复杂性被简单的侵略和捕捉，而这正是桑塔格极力要摒弃的。她质疑后工业时期摄影的作用除了简单复制和侵略以外，其实忽略了整个人类社会和历史建构的体制意识，而强调了片段式闪现的道德良知，人类文明是一个持续性、稳固的体现，并非这些短暂时效的道德认知的拼贴。

　　全球与历史的摄影

　　桑塔格将摄影历史融入在叙述线中，不作明示，但从中选择了一些深具代表性的摄影师们来贯穿她的论述。以摄影界的风格转变来作为论述的脉络，如《草叶集》作者惠特曼讲到的“美之普及”的一段话曾被作为美国摄影界追求的主题，导致反映社会主题性意识的摄影作品趋于琐碎和单调，当然，她更赞赏一些反映社会不安定因素和“苦恼意识”的摄影家，如迪安娜·阿布斯反映边缘、畸形人的那种安之若素的摄影作品，在与现实生活的对峙中体现了一种矛盾和庄严，其勾起观看者多重意态的鉴赏也使社会从另一角度呈现了复杂性。
　　然而，阿布斯这种反叛其实是建立在她对正统社会和时装美学的厌恶情绪上，桑塔格如是凸显阿布斯的“颠覆”是一种“道德主义者的颠覆”：“把生命视为失败，以此作为把生命视为成功的解毒剂”，那些边缘、脆弱、甚至死难者，恰恰也从这个现代物质文明充分发达的国家中分离出来，变得有些“超现实主义”，变成一种自大和骄傲意识里潜藏的悲观主义。阿布斯的自杀，使得其作品更带上一层神圣的色泽，也宣告了它们抗争这个麻木社会所取得的胜利。
　　接着，桑塔格将视点放大，不仅从本土化的摄影区界跳跃至全球性范畴，并且将“摄影”推入“超现实主义”的层面加以阐释。从一系列摄影师表现人物和地区变迁来展现“摄影”之于一个社会在时间性上的参与和作用。文中也提到了嗜好引语的瓦尔特·本雅明，并确认了“摄影”如同“收藏家”一般，在针对“现在”按下“肯定”的按钮以后，其实是对“过去”的保存和见证。“在现代社会，对现实不满本身表达了对复制这个世界的向往，并且是强烈地、最难以令人忘怀地表达。仿佛只有把现实当作一个物件来看———通过照片的摆布———它才真正是现实，即是说，超现实”。

　　解放绘画的艺术

　　当然，摄影这门技术的产生对历史已久的绘画艺术来说，不啻为一起重大的挑战和颠覆。绘画界对摄影技术的抵抗如同手工艺者对自动化机器的憎恨一样，桑塔格就这两样事物进行了单独一章的对比和论述，既肯定了“摄影”这一门新兴技术的重要性，也宣扬了其产生对绘画界造成的解放，实际上将两者推向了更深领域———也即道德和美学———的对比，而两者也在发展摸索过程中互为影响，如摄影对光感的捕捉原理催生了绘画界的“印象画派”，如绘画在摄影的抵触中逐渐从写实走向抽象。
　　因为此书是由桑塔格陆续发表在《纽约书评》杂志上的长文结集出版，她自言在对摄影的研究中言犹未尽，于是催发出一篇紧接一篇的深入探究，各篇章独立而拥有各自的主题，且在合为一著时仍彰显了其连贯性和统一性。新译本在原来基础上有更精准的翻译和注解，这正符合书中提及的“摄影”之于“绘画”有更精确之意的理念，译词之精准易于读者更深入地体验作者之全部用心。
　　苏珊·桑塔格
　　1933年生于美国纽约，毕业于芝加哥大学。1993年当选为美国文学艺术学院院士。她是美国声名卓著的“新知识分子”，和西蒙娜·波伏瓦、汉娜·阿伦特并称为西方当代最重要的女知识分子，被誉为“美国公众的良心”。2000年获美国国家图书奖，2001年获耶路撒冷国际文学奖，2003年获德国书业和平奖。2004年12月28日病逝于纽约。

作者: 教师之友网 时间: 2012-1-25 17:42
傅文俊：摄影艺术中的绘画美学

文\傅文俊

   摄影自诞生之日起就与绘画艺术有着千丝万缕的联系，它们之间相互借鉴并平行发展。绘画作为一门造型艺术形式，发展至16世纪其主要的美学任务就是逼真的再现客观世界，而这正是摄影的原始任务。依仗科学技术而来的摄影术，它从被发明的那刻起，就背负着利用光学成像原理实时、准确地记录现实表象的任务。换言之，绘画在现代主义之前，一如既往的表现为摄影的基本特征即对现实的如实记录。1839年摄影术的诞生，对以再现为目的的传统绘画造成了毁灭性冲击。与此同时，摄影复制现实的技术性以及缺乏创造性与手工性使其被长期的拒之于艺术领域之外。摄影术在发明之初，由于科学技术的限制它不能像绘画那样使对象超越自身的物理特征而达到理想美的境地，过于真实的图像呈现使得画面变得索然无味。摄影与绘画不同，它的独特性在于其本质上的客观性。在原物体与再现物之间只有另一个实物在发生作用，那就是照相机。外部世界的影像第一次按照严格的科学原理自动生成，而不需要艺术家的手工性参与和创造。摄影师的个性只是在选择拍摄对象、确定拍摄角度和对现象的解释中被表现出来，这种个性在作品中无论表露得多么明显，它与画家表现在绘画中的个性也不能相提并论，一切艺术都是以人的参与为基础的，惟独在摄影中我们有了不让人介入的特权。[1]然而，以视觉图像为传达媒介的摄影同绘画一样，需要处理画面中的光线与色彩、构图与影调等形式关系，这其中暗含着与美学元素的联系。所以，摄影走向艺术化的道路实属必然。其实，早在1884年泰尔博的《自然之美》摄影美学著作的问世，就表明了摄影艺术的美学追求。
   早期的摄影作品大多以绘画为模仿范本，无论构图、造型抑或用光。摄影艺术家是以绘画的方式来对待摄影与摄影创作的，并在很大程度上依赖于绘画的视觉经验。摄影的暗箱技术即把在小孔中观察到的影像在暗箱中固定下来，与传统绘画中的焦点透视原理如出一辙。直到高艺术摄影家雷兰德的摄影作品《人生的两条道路》跻身于英国的“曼切斯特艺术珍品展览”，摄影作品终于得以戴上艺术的桂冠。摄影对绘画的模仿在画意摄影中尤为可见。画意摄影强调通过特意的场景布置或特殊的工艺制作手法，使摄影作品产生绘画的效果。此类作品对画面的影调、线条、平衡等形式因素的处理，超过画面记录内容的现实意义。随着科学技术的进步，摄影逐渐形成独立且完善的视觉经验方式，并走上自律性的发展道路。它成为并列于绘画、雕塑、建筑之外的另一种艺术样式。虽然，摄影艺术摆脱了对绘画的全然依附，但两者之间始终保持着某种连带关系。例如，印象主义摄影、印象分离派摄影、纯粹主义摄影、纪实主义摄影、结构主义摄影、超现实主义摄影、抽象主义摄影等诸多摄影流派都与各绘画流派密切相关。
   到了二十世纪中后期，绘画与摄影图像之间不再是谁模仿谁，谁依赖与谁的关系，而是呈现出一种相互交错，互相借鉴的状态。曼·雷（Man Ray）曾经对摄影与绘画之间的关系做过经典的阐释：“我拍摄不想绘制的东西，绘制拍不出来的东西。”曼·雷兼具摄影师与画家两个艺术身份，其作品中总是拥有显而易见的绘画美学要素。值得注意的是，虽然摄影理念的形成是建立在绘画美学的基础上，但摄影却反过来影响了现代绘画的发展。绘画从摄影艺术中撷取了众多图像因素，尤其在现当代艺术中，许多画家都以图片作为创作素材，或模仿摄影的艺术效果。格哈特·里希特对当代绘画的贡献，正是基于对摄影艺术的借鉴与表现。里希特在油画作品中表现了摄影的技法特征，并运用纯粹的绘画语言模仿出图片的机械痕迹。
   从艺术发展史上看，每一门艺术的表现媒介和语言都是不断发展变化的，其中贯穿着不同艺术之间的相互借鉴。正如朱羽君所言，现代的艺术都明显地具有吸收、借用、综合其他艺术门类特点的倾向，使其本身具有更大的包容性。摄影艺术的存在与发展，不同程度的借鉴了绘画的美学因素，其目的就在于使其自身获得更强的表现力和艺术美感。随着日新月异的科技发展，摄影与绘画之间的相互关系正发生着深刻的变化。风水轮流转，与往昔摄影对绘画的依赖相反，许多理论家认为当代文化逐渐向图像时代转型。图像成为无孔不入的有力武器，改变着人们的观看方式与文化态度。罗兰·巴特曾经指出：“摄影以其霸权镇压了其他类型的图像，不再有版画，不再有具像绘画，只有一种以摄影为模式的具像绘画，因其受迷惑而顺从摄影。”[2]罗伯特·斯托在对里希特的一次访谈中也曾提及：“这些都做得很好，现在这样画没有问题，但是当这样做完以后，将不再有什么绘画了。”[3]按照他们的观点，由于绘画对摄影的借鉴或者说是对图像的依赖，纯艺术面临着终结的命运。这一问题的提出，使得摄影艺术家面临着两个方面的问题，一方面摄影艺术家有责任表现出绘画与摄影的相互关系对摄影艺术创作造成的影响。另一方面艺术界限的混淆，致使新的观念层出不穷，在蕴藏着巨大创造资源的数字时代，该如何构建属于自己的图像表达?
   那么，是不是真的像一些理论家所言，艺术间的相互联系、互为渗透，会使艺术的界限变得模糊或戴上其它艺术的标签？艺术的发展是否真如格林伯格所设想的那样，每一门类的艺术只有排除掉从其他艺术门类中借鉴的因素，才能彰显出自身的艺术价值。在我看来事实并非如此，从整体上看，摄影与绘画之间的相互交融，使双方产生了有别于自身的新的艺术表现形态，这无损于自身艺术的特性和审美价值。在完善自己固有的掌握世界方法及表现世界的形式和手段中，两者完全保持着自己在艺术表现过程中的性质，与此同时，不断扩展着自身的内涵与外延。在我的某些作品例如《街坊邻居》、《无界》中，我试图打破摄影本体化的技法表现形态，通过特殊的手段使摄影图像脱离其载体的相纸，以宣纸或油画布为媒介，从而表现出绘画的美学元素。除了置换摄影的媒介，也有许多艺术家通过其它方式，将绘画艺术的美学元素融入到摄影作品中。在我看来，摄影艺术中的绘画美学因素是十分值得探讨与实验的，两者的交融也会是一个长期的艺术现象。

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